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PHILM: PHILM 2025 (2026, Bretford Records)

https://philippgropper.bandcamp.com/music

Philipp Gropper - tenor saxophone, composition
Elias Stemeseder - piano / synthesizer
Robert Landfermann - double bass
Leif Berger - drums

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PHILM: PHILM 2024 (2026, Bretford Records)

https://philippgropper.bandcamp.com/music

Philipp Gropper - tenor saxophone, composition
Elias Stemeseder - piano / synthesizer
Robert Landfermann - double bass
Leif Berger - drums

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TAU: Chants (2024, Fun In The Church)

T A U
philipp gropper * tenor/soprano
philip zoubek * synthesizer
felix henkelhausen * bass
ludwig wandinger * electronics
moritz baumgärtner * drums

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Felix Henkelhausen's Deranged Particles: Deranged Particles (2024, Fun In The Church)

Percy Pursglove * trumpet
Philipp Gropper * tenor
Evi Felippou * vibes / bass marimba
Elias Stemeseder * piano / synthesizer
Felix Henkelhausen * compositions / bass
Philip Dornbusch * drums

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Kate Birch: Closure (2024, redbrickrecords)

Kate Birch - voice, synthesizer
Clemens Kuratle - drums
Philipp Gropper - tenor (guest apperance)

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Dan Petter Sundland's HOME STRETCH: before the fall (2023)

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colonol petrov's good judgement: madman theory (2023)

guest appearance

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Leif Berger: L​ä​rmtrompeten des Nichts (2023, https://leifberger.bandcamp.com/album/l-rmtrompeten-des-nichts)

Leif Berger - drums, percussion
Elisabeth Coudoux - cello
Philipp Gropper - saxophone
Elias Stemeseder - synths

Recorded, mixed, mastered by Jan Philipp, Produced by Jan Philipp and Leif Berger

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Gaia Mattiuzzi: Gaia Mattiuzzi Inner core (2022)

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BILDERBUCH: gelb ist das feld (2022)

https://www.bilderbuch-musik.at/

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Was macht für dich interessanten aktuellen Jazz aus?

Schon immer war es das Wesen dieser Musik, offen für alle möglichen Einflüsse zu sein und schnell reagieren zu können, sehr schnell. Jazz ist so unüberschaubar vielgestaltig, dass es eigentlich absurd ist, Musik unter diesem Namen zusammenfassen zu wollen. Grundsätzlich finde ich es immer spannender und überzeugender, wenn Leute nicht kopieren, sondern suchen. Ich denke, es geht eher um eine Haltung als um Stilistik etc. Eigentlich möchte ich es noch drastischer formulieren: Jazz in seinen unzähligen Idiomen lässt sich nicht reproduzieren oder kopieren, oder zumindest bleibt zwangsläufig immer das Funkeln und das Feuer auf der Strecke, das jeweils nur im zeitlichen, sozialen und politischen Kontext entstehen konnte. Das, was wir heute als traditionell bezeichnen war immer eine Erweiterung oder sogar ein Bruch, etwas Neues und genau daher kam auch die jeweilige Energie und Brisanz, die gleichzeitig eine zeitlose Größe sicherte. Wird etwas in einer zuvor gefundenen Stilistik heute nachgespielt, fehlt immer das Gefühl, eine Reise in die Zukunft zu unternehmen, bzw. direkt aus einer Zeitung zu spielen, wie Wayne Shorter es in den späten 50ern tat. Trotzdem ist es absolut nachvollziehbar und wunderbar, wenn Leute diese Idiome aus der Vergangenheit pflegen und aufführen, es ist dann auf eine Art vergleichbar mit dem, was überwiegend in der Europäischen Klassik passiert.
Ich möchte noch anmerken, daß für mich das Entwickeln und Suchen ganz klar und immer vor allem eine Auseinandersetzung mit der afroamerikanischen Musiktradition ist, egal wie weit meine Musik sich öberflächlich betrachtet davon entfernt hat.

Wie wichtig ist dir „Schönheit“ und „Harmonie“ beim Improvisieren und Komponieren?

Um auch provokativ zu antworten: Oberflächlich „schöne“ oder „harmonische“ Musik kann für mich unerträglich sein! Es geht doch auch hier wieder um Eleganz der Haltung und Logik, darum, wieviel Liebe und Sorgfalt in den Tönen steckt – letztlich um Haltung, Seele und Charakter und nicht um das gespielte Material.
Ich glaube, es entstehen Missverständnisse, wenn Musik sich von Gewohntem entfernt: Leute finden dann keinen Halt in Vertrautem und denken schnell, man wolle verstören oder verschrecken, oder dass es einen Zerstörungswillen gäbe – nicht meine Motivation. Schönheit wird oft mit Vertrautheit verwechselt.
Schönheit – abgesehen davon, dass dies eine subjektive Angelegenheit bleibt – lässt sich doch in den verschiedensten Richtungen und Zuständen finden und vor allem da, wo Leute sich trauen, zu Ihrer eigenen Definition von Schönheit zu stehen. Warum sollte es in der Musik einen Unterschied geben zu anderen Bereichen des Lebens?
Am Beispiel der Harmonie erklärt: Ich habe ziemlich früh angefangen, mich mit George Russels Lydian Chromatic Concept of tonal improvisation zu befassen. Dort geht es nicht um Richtig oder Falsch bzw. Schön oder Schräg. Russel erweitert die harmonische Sprache graduell um bestimmte Töne, die jeweils andere Färbungen und Stimmungen bringen. Das hat meine Hörgewohnheit und meine eigene harmonische und melodische Sprache sehr geprägt. Eine Moll – Terz beispielsweise über einen Dur – Akkord oder auch umgekehrt klingt dann nicht falsch oder hässlich, sondern wie eine Farbe, die eben etwas anderes ausdrückt.
Je nachdem, wie der Begriff Schönheit definiert wird, birgt er vor allem die Gefahr sehr einschränkend zu sein.

Wie weit planst du den Verlauf einer Improvisation voraus und wie wichtig sind dir Impulse von Mitmusikern?

Im Idealfall plane ich gar nicht. Spielen wir Kompositionen, geben diese den Rahmen, der kontinuierlich als gemeinsame Basis einen Zusammenhang schafft. Je vertrauter eine Band und die einzelnen Musiker*innen mit dem Rahmen sind – dieser kann rhythmischer Natur sein oder harmonischer etc. – desto spontaner und freier lässt sich in jede erdenkliche Richtung gehen. Impulse der anderen sind Voraussetzung, wie beispielsweise in einem Gespräch! Dieser Zustand beim Spielen überträgt, so hoffe ich, auch die meisten Funken aufs Publikum.

Wie wichtig ist für dich das Verhältnis von großem Bogen und Kontrolle über jeden einzelnen Ton?

Große Bögen und Kontrolle über jeden einzelnen Ton schließen sich nicht gegenseitig aus! Es gibt natürlich auch Zustände, in denen es nicht um jeden einzelnen Ton geht, vergleichbar mit einem Vogelschwarm. Der Flug des einzelnen Vogels ist dort nicht so wichtig, fast beliebig, in der Gesamtheit aber ergibt sich die große Form des Schwarms. Auch andersherum kann aus einem speziell geformten Ton ein zwingender großer Bogen entstehen. Vielleicht gibt es hier häufig ein Missverständnis:

Kontrolle ist für mich in diesem Kontext ein irreführender Begriff, da wir letztlich versuchen, der Situation und dem Flow zu folgen und diesen Kräften die Gestaltung der Töne zu überlassen, nicht aber, aktiv zu kontrollieren. Das Kontrollieren passiert allerdings früher, im endlosen Prozess des Übens und Verinnerlichens. Wenn im Flow nicht aktiv kontrolliert wird, klingen die Töne dennoch nicht zufällig oder unkontrolliert, vergleichbar mit eine(r) Boxer (in) der Haken wurde zigtausend Mal trainiert und wird so auch als Reflex mit technischer Brillanz geschlagen.

Interaktion und aufeinander reagieren scheint ein wichtiger Punkt in deinem Spiel zu sein. Hast du das gezielt geübt? Wenn ja, wie?

Wirklich zuzuhören ist fast die größte Aufgabe. Den anderen und sich selbst zuzuhören, nicht zu denken oder irgendetwas abzuspulen. Oft reicht die Kapazität gar nicht aus, um allen in einer Band genau zuzuhören. Meist richtet sich der Fokus auf bestimmte Details und den Rest nehme ich eher am Rande wahr, atmosphärisch, energetisch. Die Frage ist immer: Was kann ich der Musik geben, was braucht sie? Verschmelzen, Kontrastieren etc.
Ich glaube, eine Voraussetzung ist, sich mit dem Instrument und den verschiedenen musikalischen Parametern vertraut zu fühlen – eine endlose Aufgabe. Je mehr verinnerlicht ist, desto mehr Kapazitäten habe ich, mich für die nächste Sphäre zu öffnen und zu hören. Bei den meisten Konzerten passiert es für Momente, bei ganz wenigen ist es der Dauerzustand: Das Gefühl, es spiele etwas durch einen hindurch, kein Denken oder aktives Entscheiden, ein großer Flow mitten in der Musik. Das ist der Zustand, den wir immer erreichen möchten .
Hier ein Link zum Thema, der wundervolle Jerry Granelli: https://www.youtube.com/watch?v=dGJqZOVI4tM&t=2s

https://jazziversum.de/5-fragen-an-philipp-gropper/

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Sinularia: Sinularia (2022)

As guest with
Sinularia >>>
Jo Wespel - guitar/composition
Felix Henkelhausen - bass
Max Santner - drums

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Als der Berliner Saxofonist Philipp Gropper vor 10 Jahren sein Quartett PHILM gründete, da rumorte es gerade gewaltig in der deutschen Jazz-Szene. Eine junge Generation hatte sich aufgemacht, um mit ihrer Musik die Klischees vom „Jazz aus Deutschland" einfach über den Haufen zu werfen. Und man könnte fast sagen: Groppers Band war wie eine Art musikalische Blaupause dafür.
5 Alben hat dieses Quartett seitdem veröffentlicht - und jedes davon besticht durch eine kompromisslose Wahrhaftigkeit und Offenheit.

Der Groove ist zum Anker für die Musik von PHILM geworden, und die vier Musiker steuern ihre harmonischen und melodischen Prozesse damit. Der Sound von PHILM ist dicht und schnell - und hat trotzdem viel Luft, er darf schweben, er darf ausklingen, und er darf atmen ... Das Berliner Quartett trifft genau ins Schwarze der Zeitgeist-Zielscheibe! Und das mit Erfolg: PHILM ist von den großen Festivals gar nicht mehr wegzudenken.

Hier ein kleiner Ausschnitt aus der Begründung der Jury für die Nominierung:
Philipp Gropper feiert mit seiner Band nicht nur 10jähriges Jubiläum, sondern er kann auch sonst auf viele großartige Projekte mit seiner Beteiligung schauen.
Er ist eine zentrale Figur des deutschen Jazz.

2019 gelang der Band erneut ein herausragendes Album - und das dichte Zusammenspiel der 4 Musiker ist auch live in Clubs und auf Festivals eine wahre Freude.
Stimmt!

Aber jetzt ist mir noch persönlich sehr wichtig, allen 3 Bands zu gratulieren, die nominiert wurden.
Denn diese Wertschätzung habt Ihr wirklich mehr als verdient.
Und - Ihr Lieben da draußen - wenn eine von diesen Bands live spielt, geht bitte hin zu den Konzerten!
Glaubt mir: Es lohnt sich.

Herzlichen Glückwunsch zum Preis an die „Band des Jahres":
An Philipp Groppers PHILM.
Der Gewinner in der Kategorie „Band des Jahres" ist die Band: Philipp Gropper's PHILM ...

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The Killing Popes: Ego Kills (2021, Shhpuma)

The Killing Popes >Ego Kills<

Oliver Steidle - drums/composition
Philipp Gropper - tenor
Frank Möbus - guitar
Dan Nicholls - synthesizers
Phil Donkin - electric bass
///////
Natalie Sandtorv - voc
Jelena Kulic - voc
Leila Martial - voc

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The Ludwig Wandinger Trip: The Gloss Effect (2020, Average Negative)

Ludwig Wandinger Solo Album
featuring
Dan Nicholls
Frans Petter Eldh
Philipp Gropper
Wanja Slavin
Otis Sandsjö
Felix Henkelhausen
Alexander Maksymiw
Carina Madsius

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Laura Schuler Quartett: Metamorphosis (2020)

Laura Schuler - violin / composition / leader
Hans-Peter Pfamatter - synthesizer
Lionel Friedli - drums
Philipp Gropper - tenor

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Rephgrp (reworking consequences by philipp gropper's philm): Grischa Lichtenberger Re: phgrp (reworking consequences by philipp gropper's philm) (2019, Raster)

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TAU: TAU (2019, tba)

TAU 5
Philipp Gropper * tenor saxophone
Philip Zoubek * synthesizer
Petter Eldh * electric bass
Moritz Baumgärtner * drums/percussion
PRODUCED BY LUDWIG WANDINGER
https://www.funinthechurch.com

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Philipp Gropper`s PHILM: Consequences (2019, WhyPlayJazz)

https://whyplayjazz.de/releases/WPJ046 (CD + Album Download)
https://whyplayjazz.de/releases/WPJ046LP (Vinyl + Album Download)

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The group maintains the same lineup: Philipp Gropper on sax, Elias Stemeseder on piano and synth, Robert Landfermann on bass, and Oliver Steidle on drums. While Gropper as group namesake contributes his share and then some, this is a truly collective effort. In particular, Stemeseder, Landfermann, and Steidle play Gropper’s labyrinthine compositions with gusto and an eye for detail.

Gropper’s charts exhibit complex patterns with multiple disjoint rhythms and themes often being produced simultaneously. His writing has a number of characteristic qualities, including a strong sense of unpredictability, and varied influences. Clearly, Gropper is well-versed in jazz, free improv, classical, and non-Western genres. The unsung hero of Consequences, however, is Steidle, who provides non-stop, driving explorations that often juxtapose stylistically with what his bandmates are outputting. Stemeseder also stands out with his percussive chording. Landfermann, a bit lower in the mix, nonetheless is remarkably active, adding flourishes and runs where others might stick to repetition.

As just one example, Consequences Part 2 features Gropper running through staccato lines and pulses over a three-part rhythm that never quite syncs. From there, Gropper explores a set of themes and variations while Steidle stays effortlessly busy. In and between all of this, Stemeseder and Landfermann explore a set of shifting patterns. Thinking From The Future (Are You Privileged?) explores another aspect of their capabilities with an introduction that is reminiscent of 20th-century chamber music. This morphs into complex modern jazz with runs from Stemeseder and a staggered start / stop set of rhythms. Stemeseder switches to synths and Gropper shimmers through a series of angular leads to close the piece.

Consequences is a primal exercise in barely-contained tension. Gropper and company could easily explode and blow their way through the 50-some-odd minutes of the album. But this is not a group that is explicitly outside. Unconventional and creative, yes, but on their own terms.

Another brilliant release.

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Anger—righteous anger—is a powerful force that can animate a musical performance beyond its conceptual limitations.

From an interview with Philipp Gropper in Jazzkaar:

I could go into politics now, talking about all the neo-liberalist crimes, that destroy on so many levels... Well, of course you wish that the music you do is relevant, that it's valued in a way, it gives people something.

Philipp Gropper's Philm: Live at Bimhuis , on the independent German music label WhyPlayJazz, was released as a transition between Philm's 2017 studio album Sun Ship, most of which is performed live on the present album, and their forthcoming release Consequences. For musicians who work in noncommercial creative music, the oppression of neo-liberal economics takes the form of marginalization by the dominant music streaming services, and limited opportunities to reach listeners beyond the boundaries of the artist's home region. Philm's earlier recordings and live performances in Germany and neighboring countries have received outstanding reviews in the German jazz press and the multinational freejazzblog.org site, but less attention in English-language publications.

If it were not for the appearance of this hi-res release in the weekly additions at my preferred download vendor, I would certainly have missed it altogether. None of Gropper's previous albums have shown up in my local record store, nor have I ever heard his music played on the jazz radio station in my area.

These suites of partly composed, partly improvised music, with their dark motives, unsettling use of electronics and unexpected twists and turns of phrasing , suggest the sense of unease that people of Gropper's generation confront, as they watch the fabric of their societies torn by economic stress, diminishing expectations, and the malign influence of demagogic politicians. The players, all veterans of new creative music projects, work through a sequence of moods with technical skill and collective interaction. Philm adopts a different strategy to create an effect similar to that of Teis Semey's ensemble: where Semey writes compositions and arrangements that bring attention to each of the players, Gropper and his colleagues build a collective performance framework that foregrounds the group as a whole, without subsuming the individual contributions of each of the quartet members.

It would be a misrepresentation to isolate individual tracks from an album designed to be heard in a nearly continuous sequence. The segments flow one into the other, without a full break until the end of "Who Owns the World Part 2," the fifth track of the album and the conclusion of the second of two long suites.

With this pointed title, Gropper makes clear his skeptical response to the arrogance and greed that undermine neo-liberalist claims of universal economic advantage. In performance, those sentiments find a voice through the alternating wind up and release of tension among the players. In the opening of "Who Owns the World Part 1," Gropper and bassist Robert Landfermann hold down the repetitive establishing theme while pianist Elias Stemeseder and drummer Oliver Steidle add complex percussive embellishments; when Gropper progresses into his solo, the piano and drums shift down into simpler rhythmic patterns of locked accents. As the tenor saxophone soars into the upper register, the rising amplitude and energy of the ensemble threatens to break loose into cacophony. A suspended passage for the piano flows seamlessly into a synthesizer solo over calmer musical waters; Gropper's second solo responds to rhythmic cues from the piano, which in turn joins the saxophone in unison. The trio of piano, bass and drums convey a sense of calm —but also of loss—drawing the performance to its conclusion.

This live performance, presented in excellent recorded sound, channels the distress of modern-day urban life; the anxiety, tension and anger that that all too often find expression in destructive acts of resentment rather than creative acts of resistance. Philipp Gropper has found a way to engage musically with his own response to those social conditions, and in Philm, a group of fellow musicians who can convey the emotional depth of that response to the listening audience.

Personnel: Philipp Gropper, saxophone and composition; Elias Stemeseder, keyboard, piano; Robert Landfermann, double bass; Oliver Steidle, drums

Marc Werlin

Recorded in 96/24 on July 30, 2017 by Marc Schots at BIMHUIS, Amsterdam, Netherlands.

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Oliver Steidle & The Killing Popes: Ego Pills (2019, Shhpuma)

Oliver Steidle - drums/composition
Philipp Gropper - tenor
Frank Möbus - guitar
Dan Nicholls - synthesizers
Phil Donkin - electric bass
///////
Kit Downes - synthesizers
Andreas Schaerer - voice

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Oliver Potratz’ THIS IS NOT MY DOG: This Is Not My Dog (2018, KLAENG)

TO BE RELEASED JANUARY 2019
Oliver Potratz - e-bass/composition
Philipp Gropper - tenor
Daníel Böðvarsson - guitar
John Schröder - guitar
Christian Marien - drums

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Philipp Gropper`s PHILM: "Live At Bimhuis" (2018, WhyPlayJazz)

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Wanja Slavin Lotus Eaters: Salvation (2018, WhyPlayJazz)

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Pablo Held's GLOW : Glow 2 (2018, Pirouet)

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Lydia Daher: Lydia Daher "WIR HATTEN GROßES VOR" (2017)

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Jazz interview with jazz saxophonist Philipp Gropper.

JazzBluesNews.Space: – First let’s start with where you grew up, and what got you interested in music?

Philipp Gropper: – I was born and grew up in (West) Berlin. My parents listened a lot to music and somehow it got me quite early. I remember playing guitar, flute, „drums“ (on cooking pans etc) or piano along recordings as a kid, just listening and trying to find the notes or something that sounded good to me.

JBN.S: – What got you interested in picking up the saxophon?

PG: – When I was 7, a recording of Charlie Parker made me start playing the Alto.

JBN.S: – What teacher or teachers helped you progress to the level of playing you have today? What made you choose the saxophon?

PG: – The most important teachers for me were and still are the musicians I play with, the musicians I listen to – live or on recordings. I studied with Peter Weniger, David Friedman and Jerry Granelli at HdK Berlin (university of arts). John Ruocco also was a important teacher for me during my time at BuJazzo with all the beauty he found in melody, rhythm and sound. But mainly and most of the time I was learning as an autodidact.

JBN.S: – How did your sound evolve over time? What did you do to find and develop your sound?

PG: – Well … I try to play and practice what I want to hear and not to play or practice what i don’t want to hear. I need to practice constantly to feel close to the tenor and music. It is a constant, never ending process for me.

But I think you have to be very awake and aware with practicing – like with food. Once practiced, it is part of you. Also I think the attitude towards music is equally important and shaping your sound and style as much as practicing is.

JBN.S: – What practice routine or exercise have you developed to maintain and improve your current musical ability especially pertaining to rhythm?

PG: – I make up exercises every day, mainly practice what comes to my mind. Abstract, but also specific music for bands I play in. Of course also rhythmical things are on my mind a lot. Rhythm has so many aspects. Polyrhythms, layers, relations of time. In the grid and around the grid. Also bigger Rhythms that shape a form etc.

JBN.S: – Which harmonies and harmonic patterns do you prefer now?

PG: – Same goes for harmonies and patterns. There are so many ideas and possibilities. Then also every musical context offers new ideas if you look closely. But I could mention George Russels , John Ruoccos Hexatonics and Classical Composers like Messiaen as big influences in that field.

JBN.S: – Many aspiring musicians are always looking for advice when navigating thru the music business. Is there any piece of advice you can offer to aspiring students or even your peers that you believe will help them succeed and stay positive in this business?

PG: – PG: –Love it or let it be. I think we all have to deal with many obstacles in that business. Egos, the money-ruled aspects of it, a lack of openness, tough travelling etc. So it is important to find ways to deal with these obstacles in order to stay open and free to love sound and music. To me this is the one source that keeps me going. I also accepted the organizing side as part of the creating. If you want to make your band play and create music on stage, you can’t get around it.

JBN.S: – Аnd furthermore, can jazz be a business today or someday?

PG: – Yes. It is kind of a jungle, and I think you simply have to build your own structures. Structures that allow you to make your living and stay flexible and creative. I never thought of the busines-side of music while creating, for me it always works the other way around.

JBN.S: – How can we get young people interested in jazz when most of the standard tunes are half a century old?

PG: – Show them the good stuff! There is so much fantastic, exiting „jazz“ happening. Very often you don`t hear the interesting music in the radio, don’t find the good bands as headliners of festivals, on covers of magazines etc but it exists, a lot of it !

And if you want to keep the tradition of covering popular music then cover actual popular music. That is what they did in their times.
The longer I play music, the more important it becomes and the more clearly I perceive what a band conveys, which message it sends out. This essence, which can be experienced through the transcendant quality of music, is what it is all about, and it is absolutely independent of style or set-up. Sole virtuosity, sole flights of intellect or the elevator-approach bore me – what I want is directness and aura.

I am deeply connected to tradition and constantly try to understand and carry forth its liveliness and fire – which could only develop in the context of its time ; and this secure the old masters their lasting impact.

JBN.S: – John Coltrane said that music was his spirit. How do you understand the spirit and the meaning of life?

PG: – I understand music as a highly transcendal medium – it contains and transports everything a musician is. Like the aura a person has.

JBN.S: – What are your expectations of the future? What brings you fear or anxiety?

PG: – I hope, societies wake up soon and fight the biggest enemy of our times: the neoliberalistic madness.

JBN.S: – What’s the next musical frontier for you?

PG: – There are frontiers in all the parameters of music, in beeing a musician, I try to push forward for myself.

JBN.S: – Are there any similarities between jazz and world music, including folk music?

PG: – Yes. Steve Lacy once said: „the only thing that matters is one thing – is this stuff alive or is it dead.“ My definition of jazz is a very wide one, so I find common ground and similarities in actualy all forms of music.

JBN.S: – Who do you find yourself listening to these days?

PG: – Many different. Electronic guys like Grisha Lichtenberger, Hip Hop, new music Boulez, Ligeti, always coming back to the old cats but also actual like Peter Evans etc.

Interview by Simon Sargsyan
jazzbluesnews.space

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Philipp Gropper`s PHILM: Sun Ship (2017, WhyPlayJazz)

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Das Seltene Orchester: Das Seltene Orchester (2016)

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Gropper/Graupe/Lillinger: Riot (2016, WhyPlayJazz)

Philipp Gropper (tenor saxophone)
Ronny Graupe (guitar)
Christian Lillinger (drums)

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Dan Petter Sundland's HOME STRETCH: Home Stretch (2016, Creative Sources)

Philipp Gropper - tenor saxofone
Antonis Anissegos - piano
Dan Petter Sundland - electric bass / composition
Steve Heather - drums

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Philipp Gropper’s Philm: The Madman of Naranam (2015, WhyPlayJazz)

Philipp Gropper - tenor, composition
Elias Stemeseder - piano
Andreas Lang - doublebass
Oliver Steidle - drums

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FUSK live in Warszawa: Sieben Acht, Gute Nacht (2015, ForTune)

Kasper Tom Christiansen - drums / composition
Rudi Mahal - Bassclarinet
Philipp Gropper - tenorsax
Andreas Lang - bass

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What was the very first idea, musically speaking, that led you three come together as a band, that 2003?
The bass player didn't show up for a jam. His space was filled by an adventurous spirit of freedom and joy. Back then we played standards like Inner Urge, Spiral or Nefertiti and the missing bass brought both freedom and a lot of responsibility to each of us. The challenge was playing music that is usually built on the bass without a bass. Also, sound-wise we had to deal with the missing warmth and unifying, connecting part of the bass. We didn't think much back then, it was simply an adventure to discover and create music together. Everybody contributed compositions and ideas and very soon we had replaced the standards with originals. No matter how complicated the music was, we always played by heart - in some rehearsals we got lost for hours in discovering endless ways to improvise over a form of maybe three or five bars. So arranging and finding ways to make the compositions happen was always a collective and time consuming process. This, to me, is a very logical workflow: everybody bringing in and suggesting very specific things the original composer could hardly know about the other players colours and possibilities on their instruments.

Can you affirm that Hyperactive Kid haven’t moved away from that idea, over the years?
Well, that idea is more of a spirit, an approach than a concept or a style. It stayed with us and showed many faces since the beginning. However, lot of struggling has been involved again and again mainly, because as soon as forms and chords are played things don’t work as easy without a bass.

How has the group developed that idea so far?
To me it still feels like only the beginning of circling around the essence of something. Somehow the direction the band takes is not even controllable. The music just changes along the way while each of us is trying to grow as a musician.
The development and phases of some songs we played for years could maybe serve as an image for this bigger, longtime development of a band sound.
Also during the past 12 years we’ve shared so many strong and overwhelming experiences while traveling all over the world and as friends, which to some extent somehow creates a common understanding of music on another level. That definitely has an impact on the sound and the atmosphere on stage.

What does each one of you bring to the band in terms of “personal musicality”? (I mean here I don’t speak about writing contribution)
Both Christian and Ronny are some of the most dedicated musicians I've ever met. Their love of music is as big as the universe.
Each of them has a very defined and own vision of how their instruments should sound and of which - maybe at times surprising - role it could play. Sometimes it seems to me they want their instruments to sound like a whole orchestra- reaching for something out there that might be possible to play... Also their crazy technique and understanding of musical parameters gives both the necessary overview and thereby freedom to tell their stories in many different, even very tricky contexts.
A big impact on the band sound is their love for the pure way of playing their instruments... to some kind of extrem approach: for example rather imitating an echo than using effects on guitar etc.
What do I bring to the band?
In this trio I hardly ever have a break from playing. Switching roles from soloing to accompanying to creating a texture or sound with the others etc. It is a big challenge to find ways on the tenor to play all these rolls.
It also is kind of expected or demanded by the colleagues to surprise and entertain each other especially in songs that have been played over and over again. Being the very different characters all three of us are also creates some - most of the times - positive tension.

On the cover of your first album, “Hyperactive Kid”, a trumpet is depicted: anyone in the trio plays it?
It is my twin brother Jan's trumpet. He also placed the plastic sword there. For no specific reason. None of us would dare to even touch such a difficult instrument as a trumpet!

Each one of you guys has his own projects or plays as a sideman in others’ bands:how much of these experiences comes into Hyperactive Kid?
All of them. And on the long run I think it will help us come closer to the real sound of the band, and accept its own weird beauty as we don't have to create all the music we imagine with that one band.
For a long time i thought the other way round: being mainly involved in that one band would force us to dig deeper as we wanted to tell all the stories within that frame.

In Fusk you play alongside Rudi Mahall, a master of bass clarinet: have you had any opportunity to “steal” some of his secrets (all’n’all you both play “reeds”)?
Haha, yes, definitely. We played many tours and traveled a lot, listened to tons of cd’s in the car - enough time and opportunities to steal. For a year or so i even played his bass clarinet reeds on the tenor- the ones that didn't work for him - talking of "reeds" - hoping for more!
His musical clarity, groove, sound and beauty is overwhelming. I've loved every single note that I have heard him play. A miracle!
The thing that impressed me most is his joy of creating sound - every morning in every hotel he couldn't wait to start practicing. I've met nobody so far who comes even close to playing the bass clarinet like him with that sound. So it is more the approach than details we talked about or i might have "stolen".
Also - but it will take years to evolve in my playing - listening to Rudi gave me an idea of how to approach the flagolet - register. This is difficult to explain... also for example listening to Peter Evans playing trumpet up there gives me an idea of how i want to sound up there on the tenor. Rudi playing the bass clarinet like an alto. Searching for something very specific and unexpected or in other words: the imagination being stronger and more defining than the instrument itself. To me, weirdly nobody else comes closer to create the mood Charlie Parker must have created than Rudi.

What can you tell about the Berlin JazzKollektiv and your experience in that?
Beautiful, unselfish, true collective of freaks, which creates a good platform to present "our" music even if very different players and minds are involved. From summer on we will play less ourselves so we can invite more guests. Guests from Berlin or far away if there is money. By now there are many collectives in Berlin: KIM, Umlaut etc

Is Hyperactive Kid involved in too?
Ronny and me. But Christian definitely lets us know what he likes or doesn't like about JKB.

What are your (HypKid’s) links with European free “movement”? Which great musicians of this scene do you look at?
It’s very often the colleagues surrounding us we look at. Also constantly new characters are showing up... in all the european countries. The diversity is crazy... Of course too many of them you don't see playing the big festivals nor encounter them in the ad-based magazines. Luckily Berlin, where all of us are based, changed the way it did and many fantastic musicians from all over moved here or stop by from time to time or play.

American jazz musicians see their tradition in swing orchestras, Parker, Dizzy, improvisation, Coltrane, Miles, licks, Max Roach, Ornette Coleman, free (...) and so on: what do you consider “tradition”?
Growing up in a country that doesn't really have folk music which is present and lively anymore I think all of us have our own roots: depending on what they grew up listening to and play along with or heard in concerts etc. With the WWW entering our lives, this process of individualized roots became normality. And apart from that, by now there are so many coexisting jazztraditions - one has to choose a point where to enter, how far to go back. The more of a tradition one knows, the better, but it can also be a trap: you can never reproduce any jazztradition or style and reach up to it simply because you will never feel the same excitement and fire the inventors felt, everything had its place and time.
So besides being aware of the exploding richness and the whole history of Jazz (all the countless jazztraditions) and maybe knowing how to play some of it, I think it is mainly about finding some field or language for oneself.
I once in an interview described my point of view concerning tradition with the following words:
"The longer I play music, the more important it becomes and the more clearly I perceive what a band conveys, which message it sends out. This essence, which can be experienced through the transcendant quality of music, is what it is all about, and it is absolutely independent of style or set-up. (...)
I am deeply connected to tradition and constantly try to understand and carry forth its liveliness and fire - which could only develop in the context of its time ; and thus secure the old masters their lasting impact."

Hyperactive Kid is mainly an electro-acoustic trio: any electronic “intrusion” (delays, loops, harmonizer, other devices) in the future of Hyperactive Kid?
Effects were Ronny’s job so far - he didn’t use them much until now. The music felt more alive that way. We almost never used a loop station for example. Somehow this is the hard way, as it is so easy to create a big atmosphere by using effects etc.
But soon, hopefully 2015 we want to produce a proper studio album, playing with all the possibilities of editing etc. This opposing the latest two Hyper albums which are live recordings.

And if Hyperactive Kid features a special guest (just only one), who would this be?
We never missed a gig and never played with a sub or guest so far.
Tough one. No idea. Any suggestions?

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Hyperactive Kid : 10 Year Anniversary Live (2015, WhyPlayJazz )

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Chimaira: there is (no) alternative (2014, Wide Ear Records)

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Sandra Kolstad: Zero Gravity State Of Mind (2014)

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Petter Eldh: Love Declared Disaster Averted (2014, Galatearecords)

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Wanja Slavin Lotus Eaters: For Very Sad and Very Tired Lotus Eaters (2014, WhyPlayJazz )

Tobias Backhaus - dr
Rainer Böhm - p
Andreas Lang - b
Wanja Slavin - as, cl
Philipp Gropper - ts (guestappereance)

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FUSK: Super Kaspar (2013, WhyPlayJazz)

Rudi Mahall - bass clarinet
Philipp Gropper - tenor saxophone
Andreas Lang - double bass
Kaspar Tom Christiansen - drums/composition

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They either come off as gimmicky impersonators, the portrait of studied eccentricity, or as well-meaning but genuinely confused – unsure of what to do with all of that dissonance. Philipp Gropper’s Philm gets it just right on Licht.

Gropper begins with “Synthesizer,” accompanying himself on saxophone through an angular double-tracked journey. When drummer Oliver Steidle joins in, it’s with an off-kilter abandon. Pianist Havard Wiik and bassist Andreas Lang echo Gropper’s sense lateral improvisational wonder, before Wiik steps forward with a series of unorthodox runs. Gropper’s return is, at first, like a moment of guttural consternation, before he begins working inside the folds of the displaced rhythms all around him. Wiik couples then decouples, and Gropper sounds – if only for a moment – like a lonely romantic. But, just then, Steidle brings his kit back to a rolling boil, and Gropper returns to his initial harmonic distortion as the track concludes.

The album’s title track charges in with a thrumming sense of urgency, instantly identifiable as having come from the Monk tradition – but at the same time restlessly allusive on its own. After Gropper scales and then descends, then scales and descends – sounding just like a sudden bolt of fear – “Licht” ultimately settles into a more conventional, if still eye-poppingly dynamic, propulsion. Cleverly arranged, this sounds more like “jazz,” but yet is remains enormously imaginative. Gropper’s solo is a fleet, chest-pounding romp, pushed along by Steidle’s insistent retorts.

“2-22” begins as another daring contretemps between Gropper and Wiik, and as they tangle, Steidle adds a stunning cacophony behind them. The results are among Licht’s most tension-filled passages. When Wiik initially comes to the fore, he plays with a pent-up abandon – spurring Gropper into a more contemplative tack. Suddenly, the sax isn’t emitting sheets of sound so much as these curly-cues of smoke. Lang and Steidle slow to an intermittent shamble, as Gropper offers a frankly gorgeous meditation. By the end, though, as Wiik returns, Gropper can’t help but push his horn to its outer limits once more – and there, through that slurring and grating, he’s inverting your expectations once again.

“Robot” sounds like a funky R&B tune that’s been cut up into pieces, catching what sounds – for a beat or two – like a grease-popping groove, only to stop dead. Then they start again, with Gropper honking happily along. Next, there’s stony silence. Then, it begins again. It’s a wholly authoritative performance from the rhythm section, which had to approximate something very similar to stop-and-go traffic on their instruments.

“Club 49,” on the other hand, begins with a weirdly transfixing ambient hum courtesy of Gropper, whose exhalations hang over this equally ominous piano figure. Lang and Steidle softly clang about, soon joined by Wiik, as Gropper continues along with his lengthy ruminations. Slowly, almost imperceptively at first, the composition begins to pick up steam, until finally the quartet has rejoined its earlier sense of dissonant abandon.

“Epilog” restates the album’s debt to Monk, in that it’s utterly oblique at first, but then Philipp Gropper’s Philm quickly reclaims its own frisky sense of originality for a final brilliant charge: Gropper offers a brawny sequence of shrieks and scronks, even as Wiik makes these dashing runs. As with so many moments of this album, the track reveals new treasures on repeating listens. Later, I became transfixed as Lang and Steidle answered back with these ruggedly individualistic splashes of color – all while keeping this adroit cadence.

It’s that kind of album, better each time you listen.

Somehow, and this is the magic of Licht, Philipp Gropper’s Philm has found a way to reference the improvisational genius of Monk, without forgetting the sense of adventure that always powered his best work. Along the way, they’ve made his ambitions – not just his sound – their own.

http://somethingelsereviews.com/2012/11/25/philipp-groppers-philm-licht-2012/

Begeisterte Linernotes für ihre dritte CD schrieb kein Geringerer als Joachim Kühn. „Eine Superplatte“, war das Fazit von einem der Väter des modernen deutschen Jazz. „Diese drei Musiker spielen auf höchstem Niveau des Jazz. Alle ausgestattet mit großer Musikalität und Instrumentenbehandlung und einer Vision vom Sound, von Komposition und Improvisation. Das ist Musik von heute.“ So leitete er sein Urteil her. In der Tat ist das Trio Hyperactive Kid mit Schlagzeuger Christian Lillinger, Gitarrist Ronny Graupe und Saxofonist Philipp Gropper eine der eigenständigsten und spannendsten Bands des jungen europäischen Jazz. Überdies verblüfft Gropper gerade mit der Debüt-CD seiner zweiten Band Philm und hat zudem noch sehr konkrete Pläne für eine dritte. Gründe genug, für ein paar Nachfragen. Ausgeruht, konzentriert und recht zufrieden sitzt er nach einem Gastauftritt in Pablo Helds Großformation „Glow“ während der 36. Leipziger Jazztage in der Hotellobby.

Berliner Szenen
Ganz unbedingt ist Philipp Gropper ein Berliner. 1978 wurde er als Sohn musikbegeisterter Eltern auf der Westberliner Insel geboren. Hier ist er geblieben, erst recht nach dem Fall der Mauer. Als die noch fest die Metropole teilte, wollte der Vater im Westteil der Stadt dem Wehrdienst entkommen, fand seine Frau und ging nicht mehr weg. Hobbymusiker waren beide, sie spielt Tenorsaxofon, er Trompete. Die Wohnung war angefüllt mit Musik und tatsächlich wurde irgendwann eine Charlie-Parker-Platte zur Initialzündung. Philipp und sein Zwillingsbruder Jan – Trompeter und heute auch Profimusiker – wurden nicht getrimmt zu Musikern, sondern fingen selbst Feuer, weil viel Musik einfach immer da war.
Genug Anregung gab es und auf solcher Basis erschlossen sich die Brüder gemeinsam eine Welt der Klänge. Sie vertieften sich in einzelne Musiker, standen mit Kopfhörern in Musikläden, zeigten sich dies und das. Das Zentrum bildete vom Beginn an vor allem der Jazz. Eine logische Konsequenz war später das Musikstudium. Zunächst aber war da die Musikschule Charlottenburg. Ihre Lehrer Christoph Griese und Jörg Miegel sorgten dort dafür, dass die Kinder sehr früh schon in Bands spielten und regelmäßige Jobs als Zirkusmusiker oder bei Straßenfesten hatten. Philipp lernte Altsaxofon, um mit 16 dann aufs Tenor umzusteigen.
Es ist bis heute, ergänzt um das Sopransaxofon, sein Hauptinstrument geblieben. Er machte das Abitur, bildete sich autodidaktisch im Selbststudium auf seinem Instrument weiter und absolvierte seinen Zivildienst. Während dieser Zeit spielte er mit Eric Schäfer, Oliver Potratz, Daniel Stawinsky und seinem Bruder immer montags in Franz de Byls altem Club Flöz für Freigetränke zur Sessioneinleitung Standards. Die Aufnahmeprüfung an der Universität der Künste verlief problemlos.
Berlin blieb Berlin, selbst dann, als ihm ein Gitarrist, mit dem er Straßenmusik gemacht hatte und der dann nach Berkeley gegangen war, zu einem Vorspiel bei einem der Scouts der dortigen School of Music verholfen hatte. Philipp Gropper hat das daraus resultierende satte Stipendium nicht angenommen und zog Berlin vor. Und irgendwie folgt diese feste Verwurzelung in seiner Heimatstadt einer inneren Logik seiner Biografie. Längst kommt die Szene nach Berlin und Gropper trifft sich mit Spielpartnern aus diversen Ländern.

Eine gute Schule
Berlin ist schnell, bunt, international, vergleichsweise billig und immer in Bewegung. Berlin ist eine gute Schule. Institutionalisierte Schulen hingegen implizieren stets auch die Gefahr, ihre Schüler zum Erfüllen des Abverlangten zu erziehen. So wird man Klassenbester, löst sich aber auch vom eigentlichen Faszinosum der Musik, nämlich Dinge sehr direkt ausdrücken zu können bzw. überhaupt zu spüren, was man sagen will. Philipp Gropper geht es stets darum, seine eigenen Fähigkeiten zu finden „und daraus sein Universum zu basteln“.
Zum Glück hatte Philipp Gropper Lehrer, die seine Individualität förderten, Jerry Granelli zum Beispiel, der kanadische Schlagzeuger, der ihm seinen dicken Ledermantel überließ, als er zurück in seine Heimat ging, Peter Weniger, von dem er enorm viel Technik lernte, John Ruocco im Bujazzo oder Vibrafonist David Friedman. „Ich hab gute Lehrer gehabt und bin ihnen sehr dankbar für ihre Ermutigung, mich auf die Suche zu begeben. Diese Botschaft kam von allen. Ich bin keine Rampensau. Lange Zeit wäre ich auch lieber Schlagzeuger oder Bassist gewesen. Durch das tiefe Eintauchen in die Musik fühle ich mich aber inzwischen vorne sehr wohl.“

Hyperactive Kid
Zum Beispiel bei Hyperactive Kid. Vor gut zehn Jahren stand am Anfang eine Frage: „Wie können wir ohne Bass Standards spielen?“ Heute hört man keine amerikanischen Vorbilder mehr im Spiel der drei, höchstens noch als ein Aufblitzen. Kopien nach Originalen, das war gestern, doch diese extrem gebaute und doch so spontane Musik, bei der die Stimmen ineinander changieren und auseinander hervorgehen, reagiert wie guter Jazz immer auf das Heute. „Die Musik klingt recht frei, aber ich bin sehr der Tradition verbunden“, gesteht Philipp Gropper. Mit Graupe und Lillinger hat er ein extrem eigenes Konzept entwickelt. Bei den Kompositionen merkt man gar nicht die Übergänge zwischen Vorgefertigtem und Improvisation. „Natürlich gibt’s Einflüsse aus allen Genres und Zeiten und natürlich von Saxofonisten wie Coltrane, Rollins, Shorter, Paul Gonsalves, Ben Webster, Lester Young, Peter Brötzmann, Evan Parker, Archie Shepp, Steve Lacy. Es bleibt für mich faszinierend und inspirierend, was die Helden der Vergangenheit aus ihren Instrumenten rausholen. Auch Berliner Saxofonisten und Kollegen wie Tobias Delius, Frank Gratkowski, Uli Kempendorf oder Pierre Borel sind Einflüsse.“
Doch die Tradition ist für ihn vor allem ein Scharnier in die Gegenwart. Man ahnt die Wurzeln, doch das darf nicht genügen. „Musik lernen ist wie eine Sprache zu lernen. Man lernt verschiedene Vokabeln und die Grammatik, sammelt, bis man die Möglichkeit hat, sich auszudrücken. Je mehr Vokabeln man hat, umso differenzierter lässt sich formulieren. Dann geht es darum, die Bausteine geschmackvoll einzusetzen und passend.“ Im richtigen Moment ist das Richtige aus der Schublade zu ziehen. Bis man frei über die Elemente verfügen kann, ist es ein langer Weg. „Bestimmte Dinge gefallen mir und daran arbeite ich dann, bis ich sie spontan abrufen kann, um mit ihnen zu improvisieren, mit ihnen zu spielen im Wortsinne.“ Allerdings darf das dann nicht wie Versatzstücke klingen, sondern muss eingebunden sein in die Sache der Band, in der die klassischen Rollenverteilungen aufgehoben sind.
Gleichberechtigt wird kompakt ein extremes Tempo angeschlagen. Die Kompositionen sind meist zwei bis vier Seiten lang und dauern live dann um die 20 Minuten. „Je tiefer man in eine Idee eintaucht, umso mehr kann man auch herausholen. Auch nach zehn Jahren gehen so immer noch Türen auf. Jeder von uns bewegt sich auch in anderen musikalischen Kontexten, lernt und speist das ein.“ Das ergibt im Idealfall Konzerte, die den Eindruck vermitteln, es könne in dieser unbedingten Kurzweil immer so weitergehen, Konzerte als sinnliche Ereignisse für faszinierte Zuhörer, oft auch solche, die mit dem freieren Jazz kaum Hörerfahrungen haben. Die Plausibilität dieser Auftritte hat etwas Bezwingendes. „Grundsätzlich aber ist es ein Mysterium, wann ein Gig abhebt“, grübelt Philipp Gropper.
Hyperactive Kid ist ein Glücksfall, ein starker und unverwechselbarer Organismus, der nichts breittreten muss, weil so viel da ist. Es gibt keine langen Solos in dieser eng verschränkten Musik, die unverkopft, energiegeladen und scheinbar gar nicht kompliziert ihr Material um- und umschaufelt. Drei reaktionsschnelle Improvisatoren haben ihren Stoff verinnerlicht. „Zum Nachdenken ist eigentlich in der Improvisation kein Platz, sobald man zu sehr nachdenkt oder zu vorsichtig wird, bleibt was auf der Strecke. Die Kompositionen müssen einen dort hinkatapultieren, von wo es weitergeht.“ So reagieren sie mit einer Welt aus eigenen Gesetzmäßigkeiten, eigenen Orten, eigenen Geschichten auf das, was sie umgibt. Von dort wächst die Energie des Bandorganismus. „Das ist jetzt unsere Welt: Wie können wir die ausschreiten?“

Philm ab
Philipp Groppers Quartett „Philm“, dessen berückende Debüt-CD „Licht“ soeben beim rührigen Greifswalder Label „WhyPlayJazz“ erschien, ist mit Pianist Håvard Wiik, Schlagzeuger Oliver Steidle und Bassist Andreas Lang orthodoxer besetzt. Sehr schnell empfahl das Darmstädter Jazzinstitut in seinem Newsletter die Veröffentlichung. Manche Parallele zu Hyperactive Kid fällt auf: die scheinbare Aufhebung der Trennung in Thema und Chorus, die Reaktionsschnelligkeit, das Jonglieren mit traditionellen Partikeln, der Verzicht auf Solos zugunsten eines Denkens im Bandkontext, der hohe Abstraktionsgrad, der Einfallsreichtum … Vielleicht klingt „Licht“ bedachter, intellektueller und in sich ruhender, doch ist es ebenfalls alles andere als eine Kopfgeburt, sondern vielmehr ein zutiefst vitales, überzeugendes Statement, der starke Start einer hoffentlich langen Geschichte. Die Formel dafür formuliert Philipp Gropper so: „Je länger ich Musik mache, desto wichtiger ist mir und desto klarer nehme ich wahr, was Musik, was eine Band transportiert, welche Botschaft von ihr ausgeht. Diese durch die transzendierende Qualität von Musik erfahrbare Essenz ist, worum es mir geht, und sie ist absolut unabhängig von Stilistik oder Besetzung. Reine Virtuosität, intellektuelle Höhenflüge und die Weichgespültheit unserer Zeit langweilen mich – es geht mir um Direktheit und Mystik. Ich bin der Tradition sehr verbunden, versuche aber ständig deren Lebendigkeit und Frische, die jeweils nur im zeitlichen Kontext entstehen konnte und den alten Meistern gleichzeitig ihre Zeitlosigkeit sicherte, zu verstehen und weiterzutragen.“
Auch für seine dritte Band, ein noch namenloses Quartett mit Philip Zoubek (Synth), Petter Eldh (E-Bass, Electronics) und Danny Schröteler (Dr), hat Gropper genaue Vorstellungen. Eine Art „Weather Report 2012“ schwebt ihm vor. Mit dem Synthesizer kann direkter ein orchestraler Sound produziert werden als in einer akustischen Band. Von den so generierten Stimmungen ist die Gruppe getragen. „Ich bin mit diesen drei so unterschiedlichen Bands sehr glücklich. Dankbar bin ich dafür, als Sideman von großartigen Musikern wie z. B. Rudi Mahall oder John Schröder lernen zu können.“

Kontinuierliche Veränderung
Es ist das fragile Glück eines konsequent lebenden Künstlers: keine Brotjobs, keine Lehraufträge, kein sattes Erbe. Es hätte auch anders kommen können, mit seinem guten Abitur hätte er in einem anderen Bereich womöglich viel Geld verdienen können. „Man kann auch eine Kultur der Bescheidenheit entwickeln. Das ist vielleicht die Grundvoraussetzung dafür, nicht bitter zu werden. Mein Luxus ist das, was ich tue.“ Kunst ist Groppers Dagegen in betriebswirtschaftlichen Zeiten und in der Zapping-Kultur. „Man muss es als Luxus begreifen, dass man seine Zeit so verbringt, wie man es möchte. Obwohl in unserem reichen Land freie Musiker deutlich weniger subventioniert werden als Waffenexporteure, schaffen sie garantiert mehr Glück in unserer Gesellschaft.“
Er transformiert den Puls von Berlin als Ganzem und Kreuzberg im Besonderen in seine Kunst, die den Strudel der Zeit abbildet. Überall neue Orte, an denen Jazz passiert, überall kontinuierliche Veränderung. „Ich reise gerne und habe das Glück, national und international eingeladen zu sein. Doch ich komme gerne nach Berlin zurück. Reisen bringen viel Inspiration und relativieren alles, was man zuhause vorfindet.“ Daheim dann jagt er diese Eindrücke durch seine Kopfmaschine. Auch andere Künste, oft durch Freunde vermittelt, sind wichtige Quellen der Anregung.
„Als ich 18 war“, erinnert sich Gropper, „ist einer meiner engsten Freunde gestorben. Das hat vielen von uns den Mut gegeben, in eine Richtung zu gehen, an die man wirklich glaubt, in der man einen Sinn sieht, weil wir damals begriffen haben, wie schnell es vorbei sein kann. Viele aus dem damaligen Freundeskreis sind tatsächlich Künstler geworden.“
Philipp Gropper ist nicht unbedingt ein Typ für theoretische Überbaue, viel lieber reagiert er emotional. Er weiß, dass man sich auf seine Intuition verlassen kann, wenn man seine Sensorien entwickelt hat. Theorie und Struktur, auch wenn sie nicht immer sofort erkennbar sind, schaffen erfahrbaren Sinn und Logik und sind doch unverzichtbare Grundlagen für seine Musik. „Ich bin kein Business-Typ. Ich geh der Nase nach.“ Unterwegssein und Rausgehen sind wichtig, genauso wichtig sind aber auch Tage, an denen er daheim bleibt und arbeitet. „Ich kann zu Hause üben, hab ein Schlagzeug und ein Fender Rhodes. Manchmal bin ich auch mit meinen Platten glücklich.“
Was ihn antreibt: Ideen ausreizen und dann weitergehen. „Bis jetzt habe ich keine Angst davor, mich selbst zu reproduzieren. Ich will mich nur nicht langweilen. Das Publikum spürt es, wenn keine Überzeugung dahinter ist. Intensität entsteht nur, wenn man selber daran glaubt. Was mich mehr und mehr fasziniert, ist die Frage der Aura eines Musikers, oft schon in einem Ton erfahrbar, ein ganzes Leben in einem Ton.“ Auf die Frage, ob er viel übt, kommt ein spontanes Ja, „so viel wie möglich, meist viele Stunden täglich, eine beglückende Form von Einsamkeit. Aber inzwischen übe ich nur, wenn ich Lust dazu habe. Wenn sich das Saxofon wie ein schwerer kalter Haufen Metall anfühlt, höre ich auf.“
Und das Komponieren? „Ich versuche es zu einer täglichen Routine zu machen, zu positiver Routine …
Immer steht die Musik auch im Kontext zu ihrer Zeit. Die Musik sollte sich allerdings zunächst einmal selbst genügen und aus der Liebe zu den Klängen wachsen, nur dann entdeckt man etwas. Jedoch kommt noch eine Menge Intensität hinzu, wenn starke Musiker sich in politische Kontexte begeben.“ So entwirft Philipp Gropper seine Musik als eine Musik des Jetzt, nicht als nostalgische Wiedergängerei. Die Geschichte seiner Musik hat er als inhaliertes Destillat in sich.
Und wie sind seine Empfindungen zur Krise der CD? Wenn alles für alle billig bis kostenlos zugänglich ist, untergräbt das allzu oft die gründliche Beschäftigung damit. Das Denken in langen Bögen geht verloren, Konzentrationsfähigkeit und Aufmerksamkeit bleiben untrainiert. „Konzerte sind da ein probates Gegengift, das von den Medien und von noch so raffinierter Unterhaltungselektronik niemals ersetzt werden kann. Konzerte sind für mich das Direkteste und Wundervollste, deswegen bin ich nicht allzu besorgt über diese Entwicklung.“ Konzerte sind wie Refugien, wie Konzentrationsoasen, wo die Leute bei einer Sache bleiben, wo das Denken und die Erfahrung, sich wirklich auf etwas einzulassen, in langen Bögen stattfindet. Das Leben ist ja auch in unserer vermeintlichen Tempogesellschaft nicht wirklich so schnell, wie uns allenthalben suggeriert wird. Auch das ist eine Funktion von Kunst, über die mehr reflektiert werden sollte. Ein Musikliebhaber muss verweilen, eintauchen, er kann sich nicht durchzappen.
Enorm wichtig ist Philipp Gropper die Mitarbeit im Jazzkollektiv Berlin, wo Individualisten der improvisierten Musik seit 2007 ihre Kräfte bündeln. Gerhard Gschlößl, Marc Schmolling, Felix Wahnschaffe, Wanja Slavin, Johannes Lauer, Ronny Graupe und er präsentieren ihre Musik und Gäste auf eigenen Festivals. „Jeweils drei Bands an drei Tagen, junge Leute, gute Laune, gute Orte, gute Stimmung. Das macht Spaß. Zweimal jährlich organisieren wir solche Festivals und laden Gäste ein. Wir haben eine gleiche Einstellung zu vielen Dingen und es macht einfach Spaß zusammenzuarbeiten. Es ist schön, gemeinsam dieses Ding auf die Beine zu stellen.“

Equipment:
Tenor: Conn Ladyface, Baujahr 1937, Otto Link „Tone Edge“ Kautschuk 9, VanDoren 4er Bassklarinettenblätter
Sopran: Selmer Mark 6, Baujahr 1967, Otto Link „Tone Edge“ Kautschuck 12, Rico Rojal 3er-Blätter
Saxofon-Guru Georg Pfister, No. 1 Bastler und fettester Sound der Stadt, simply the King
Mike Duchstein Saxofonshop und seine Mitarbeiter, größte Auswahl an Vintage Saxofonen, Zubehör, 1a-Beratung und Reperaturservice

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Schneeweiß & Rosenrot: Pool (2012, enja)

Lucia Cadotsch - vocals
Johanna Borchert - piano, keys
Frans Petter Eldh - double bass, synthesizer
Marc Lohr - drums, electronics

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Philipp Gropper’s Philm: Licht (2012, WhyPlayJazz)

Philipp Gropper - tenor saxophone, composition
Håvard Wiik - piano
Andreas Lang - double bass
Oliver Steidle - drums

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Chimaira: Smoke & Mirrors (2012, Wide Ear Records)

Philipp Gropper - tenor saxophone /soprano saxophone
John Schröder - piano
Oliver Potratz - double bass
Alex Huber - drums, composition

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EMJO: Live in Coimbra (2011, clean feed)

Izidor Leitinger - conductor
Benny Brown, Matthias Schriefl, Igor Matkovic, Alexander Hartman, Susanna Santos Silva - trumpets
Uwe Steinmetz, Philipp Gropper, Jaka Kopac, Jure Pukl, Elmano Coelho - saxophones
Lars Arens, Jörn Marcussen-Wulff, Paulo Perfeito, Rui Bandeira - trombones
Kaja Drachsler - piano
Jani Moder - guitar
Robert Jukic, Andre Carvalho - double bass
Tobias Backhaus - drums

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FUSK: Fusk (2011, WhyPlayJazz)

Rudi Mahall - bass clarinet
Philipp Gropper - tenor saxophone
Andreas Lang - double bass
Kaspar Tom Christiansen - drums, composition

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Clave Azul: Looking Inward (2010, octason-records)

Philipp Gropper - tenor saxophone
Daniel Stawinski - piano, composition
Marcel Krömker - double bass
Robby Geerken - congas
Diego Pinera - drums

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Hyperactive Kid: Mit dir sind wir 4 (2010, Jazzwerkstatt Berlin)

Philipp Gropper - tenor saxophone
Ronny Graupe - 7 string guitar
Christian Lillinger - drums

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octothorpe: octothorpe plays aerogel (2009, root directory)

Sascha Henkel - guitar, megaphone, composition
Martin Schick - voice
Pierre Borel - alto saxophone, bass clarinet
Philipp Gropper - tenor saxophone, soprano saxophone
Lars Arens - trombone
Martin Stupka - viola
Diethard Krause - cello
Andre Carvalho - double bass
Christian Lillinger - drums

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Soluk: Ceylan Ertem (2009)

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VON TIM CASPAR BOEHME

Wenn man sie im Konzert sieht, scheint die Herkunft ihres Namens klar. Christian Lillinger, der vierundzwanzig Jahre alte Schlagzeuger von Hyperactive Kid, spielt so, wie das Trio heißt. Hinter seinem Instrument scheint er gar nicht wirklich sitzen zu wollen, ständig ist er in Bewegung. In aberwitzigem Tempo und manchmal mit weit aufgerissenem Mund trommelt er auf alle Bestandteile seines Sets ein, bis sie ihm nicht mehr reichen und er nach etwas in der Nähe greift - Handpercussions, Aschenbecher, alles recht.

Christian Lillingers Mitstreiter, der Saxofonist Philipp Gropper und der Gitarrist Ronny Graupe, wirken im Vergleich dazu auf der Bühne fast stoisch. Auch im Gespräch bleibt es bei dieser Rollenverteilung. Philipp und Ronny sind ruhig und gelassen, Christian ist nur unwesentlich weniger quirlig als an seinem Instrument. Zu ihrem Namen kam die Band, deren aktuelles Album "3" gerade erschienen ist, eher zufällig. "Es gab einen Auftritt, da wurden wir spontan vom Clubbesitzer ,Uncle Ron, Mister Hip and the Hyperactive Kid' genannt", erinnert sich Philipp Gropper. Bei einem Festival musste dann schließlich ein Name für das Plakat her. "Da haben wir dann als Arbeitstitel ,Hyperactive Kid' genommen, denn wir drei bilden sozusagen ein pulsierendes Ding", so Christian Lillinger.

"Wir sind eins, wir versuchen im Sound so zu verschmelzen wie eine Person."

Tatsächlich klingt die Musik des Trios Hyperactive Kid auf seltsame Weise geschlossen. Oft scheinen sich die drei Musiker in völlig unterschiedliche Richtungen zu katapultieren, sodass man meint, die Struktur ginge koppheister. Doch von einem Augenblick zum nächsten kippt die Stimmung, und sie spielen fast so homogen wie eine Popband. Für eine experimentelle Jazz-Combo sind ihre Stücke sogar äußerst strukturiert, zur Hälfte ist die Musik formstreng wie in der modernen Klassik durchkomponiert. "Es ist eigentlich alles total organisiert", so Ronny Graupe. "Es ist sehr flexibel, je nachdem, wie lange die Improvisationsstellen sind. Aber die geschriebenen Teile bleiben mehr oder minder gleich."

Die Stücke komponiert jeder zunächst einzeln für sich, dann erst werden sie gemeinsam erarbeitet, wird das ein oder andere ausprobiert. Manches entsteht auch "naiv", wie Lillinger es nennt: "Es gibt Dinge, die einfach krank sind, die man eigentlich nicht so macht, weil man es als lächerlich empfindet. Gemeinsam kann man dann in diese Komposition eine Ästhetik reinsetzen. So etwas entsteht durch Zusammenarbeit." Diesen Prozess beschreibt Philipp Gropper als durchaus zielgerichtet: "Wir versuchen, so an den Stücken zu arbeiten, dass jedes Stück für sich eine eigene Welt mit eigenen Gesetzmäßigkeiten ist."

Die Musik ist zum einen völlig heterogen, "eine Schizophrenie mit mehreren Stilistiken drin", so Lillinger, andererseits kompakter Pop, fast wie ein Song, "wo man eine richtige Melodie erkennt". Ein schönes Beispiel ist Groppers Stück "Rocker Tilo" vom neuen Album. Nach einem rasend schnellen abstrakten Saxofonsolo in der Mitte steigert sich das Stück in einen schlingernden Groove, der sich immer wieder selbst in den Weg zu geraten scheint. Auf dem Höhepunkt singen plötzlich Lillinger und Graupe als Chor zur Saxofonstimme - mit ziemlich schrägen Tönen, wie man in der kurzen A-cappella-Einlage hört.

Der Wille zum Experiment ergibt sich nicht zuletzt aus der ungewöhnlichen Besetzung, denn eigentlich fehlt das Fundament: "In den traditionelleren Besetzungen gibt es immer einen Bass, der trägt harmonisch total viel. Diese Säule ist jetzt weg, und die Last verteilt sich auf jeden von uns. Deswegen müssen alle stärker an einem Strang ziehen", beschreibt Graupe die Konstellation. Geplant war das Wagnis nicht. Die Besetzung ergab sich bei einer Session, zu der sie mit einem Bassisten verabredet waren, der einfach nicht auftauchte. Angefangen haben sie dann ganz traditionell, mit Standards. Die studierten Jazzmusiker hatten zuvor alle im Bundesjazzorchester bei Peter Herbolzheimer gespielt, Gropper und Graupe lernten sich dort kennen.

Zum Jazz kommt man als vergleichsweise junger Musiker heute auf ganz unterschiedliche Weise. Bei Gropper und Graupe waren es die Eltern, die Jazz hörten, Lillinger gestattete sich die pubertäre Revolte gegen den rockorientierten Vater mit Free Jazz. Die Erfahrung, dass es nicht cool war, Jazz zu hören, machten alle drei. Furchtbar viel hat sich daran nicht geändert. Jazz aus Deutschland, zumal experimenteller, wird weitgehend unter Ausschluss der Öffentlichkeit praktiziert. In Ost wie West gibt es zwar eine Reihe prominenter Free-Jazz-Pioniere wie Peter Brötzmann oder den Schlagzeuger Günter "Baby" Sommer, bei dem Lillinger studierte, aber Musiker der jüngeren Generation machen in Deutschland erst seit einigen Jahren wieder verstärkt auf sich aufmerksam. Zum Teil habe das mit der verbesserten Ausbildung zu tun, vermutet Graupe. Vor zwanzig, dreißig Jahren gab es in weitaus weniger Städten die Möglichkeit, Jazz zu studieren. Dass es eine lebendige Jazzszene in Deutschland gibt, haben inzwischen auch die Musiker aus anderen Ländern gemerkt: "Wir merken, dass viele Musiker von überall her nach Berlin ziehen, egal ob aus Italien, Skandinavien, England oder Frankreich", so Phillip Gropper.

Bleibt zu hoffen, dass der experimentelle Jazz sein Experten-Vollbart-Image mehr und mehr ablegt, denn die Hörer, denen die Musik von Hyperactive Kid gefällt, sind nicht selten eher jazzfern, wie Gropper feststellt: "Wenn Publikum kommt, das eigentlich kein Jazzpublikum ist, haben die oft genug einen Zugang dazu. Eigentlich geht es häufig nur darum, die Leute überhaupt zu einem Konzert zu bringen." Das Gleiche kann man ihrem wunderbaren neuen Album wünschen, laut dem legendären Jazz-Pianisten Joachim Kühn "eine Superplatte". Eben.

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Hyperactive Kid: 3. (2008, Jazzwerkstatt Berlin)

Philipp Gropper - tenor saxophone
Ronny Graupe - 7 string guitar
Christian Lillinger - drums

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Mads La Cour Quintet: A la Cour (2007, Stunt)

Mads la Cour Langelund - flugelhorn
Philipp Gropper - tenor saxophone, soprano saxophone
Håvard Wiik - piano
Andreas Lang - double bass
Kresten Osgood - drums
Kaspar Tom Christiansen - drums

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Hyperactive Kid: Hyperactive Kid (2006, Shoebill Music, produced by Roland Schulz (WhyPlayJazz))

Philipp Gropper - tenor saxophone
Ronny Graupe - 7 string guitar
Christian Lillinger - drums

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Sonne: Sonne (2005, WhyPlayJazz)

Philipp Gropper - tenor saxophone
Carsten Daerr - piano
Johannes Fink - double bass
Christian Lillinger - drums

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Johannes Haage's PARTY OF FIVE: Battlecatride (2005, znah)

Philipp Gropper - tenor
Richard Koch - trumpet
Johannes Haage - guitar / composition
Jonas Westergaard - bass
Sebastian Merk - drums

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Hyperactive Kid: Hyperactive Kid (2004)

Philipp Gropper - tenor saxophone
Ronny Graupe - 7 string guitar
Christian Lillinger - drums

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